Kultur und Wein

das beschauliche Magazin


Das weite Land, Ensemble © Matthias Horn

Das weite Land, Ensemble © Matthias Horn

Viel Zeit für den Spaziergang durch DAS WEITE LAND

Bibiana Beglau, Katharina Lorenz, Ensemble © Matthias Horn

Bibiana Beglau, Katharina Lorenz, Ensemble © Matthias Horn

Betrügen und betrogen werden, verzeihen oder erschießen? Eine Analyse.

Mit einem Selbstmord leitet Arthur Schnitzler die dramatisierte Psychoanalyse mit dem Titel „Das weite Land“ ein. Für den Dichter, selbst bekanntlich ein umtriebiger Belami, lag die allgemein mangelnde Bereitschaft zu ehelicher Treue offen auf der Hand. Ja, sie ist für ihn sogar die eigentliche Voraussetzung, um das Leben lebenswert zu gestalten. Alles andere, so das ungesagte Statement, ist Lüge, sowohl am Partner als auch an sich selbst. Daher ist es kaum überraschend, dass die Herren in diesem Spiel ihren Frauen gerne die Seitensprünge verzeihen und dafür Verständnis seitens der von ihnen Betrogenen erwarten. Wer dafür zu schwach ist, überlebt einfach nicht, wie der Klavierspieler, der sich wohl aus Liebeskummer erschießt und die ganze Gesellschaft, außer der Geliebten, an seinem Grab versammelt. Aber auch derjenige, der zu forsch sein Recht in fremden Betten behauptet, muss mit einem gewaltsamen Ableben rechnen. Dazwischen wird diskutiert, werden Geständnisse gemacht und gefährliche Bergtouren unternommen.

Michael Maertens, Itay Tiran © Matthias Horn

Michael Maertens, Itay Tiran © Matthias Horn

Das weite Land, Ensemble © Matthias Horn

Das weite Land, Ensemble © Matthias Horn

Es gibt kaum Handlung, aber dennoch steht im Raum, in diesem Fall im Akademietheater, unglaubliche Spannung; was durchaus ein Verdienst von Regisseurin Barbara Frey ist. Sie gibt den Dialogen unendlich viel Raum und schafft damit jede Zeit der Welt für einen beschaulichen Spaziergang durch das weite Land der Seele. Der Hintergrund ist ein dunkler Vorhang, der Leute erscheinen und verschwinden lässt, ganz wie es beliebt. Nach dem durch einen Schuss unterbrochenen Klaviervortrag beginnt aus dem Off Markus Scheumann mit dunkler Stimme über allerhand Insektenlarven und Käfermaden zu referieren, die sich in verwesenden Leichen tummeln.

Für die lebenden Akteure gibt es drei Fauteuils, die für die ernsten Auseinandersetzungen behagliche Wohnzimmeratmosphäre schaffen. In eines davon kuschelt sich Genia (Katharina Lorenz), um zuerst mit dem eher distanzierten Doktor Mauer (Itay Tiran) und dann mit ihrem Gemahl Friedrich Hofreiter zu debattieren, mehr nicht. Als geschäftstüchtiger Fabrikant und von der jungen Erna (Nina Siewert) begehrter Mann ist Michael Maertens ein ebenbürtiger Gegner. Nachdem er sich von seinem vorigen Verhältnis mit Adele (Sabine Haupt), der Frau des Bankiers Natter (Branko Samarovski), gelöst hat, weiß er, was ehelicher Friede wert sein könnte. Der ist ihm jedoch nicht gegönnt. Genia hat mit dem noch jugendlichen Otto (Felix Kammerer) ein Pantscherl angefangen, das sich vor den Augen ihres Mannes offenbart. Die Mutter des Burschen und dessen als Hoteldirektor in Südtirol lebender Vater werden von Bibiana Beglau gespielt, und beiden wird ihr Kind durch ein Duell entrissen. Da tut es gut, eine Frauensperson ohne erotische Interessen, eben Frau Wahl (Dorothee Hartinger), zu haben, die für subtil komische Elemente in der ganzen Misere sorgt.

Katharina Lorenz, Ensemble © Matthias Horn

Katharina Lorenz, Ensemble © Matthias Horn

 Reich des Todes Andrea Wenzl © Marcella Ruiz Cruz

Reich des Todes, Andrea Wenzl © Marcella Ruiz Cruz

REICH DES TODES Wortwilder Abgleich von Pest & Cholera

Felix Kammerer, Marcel Heuperman, Andrea Wenzl © Marcella Ruiz Cruz

Felix Kammerer, Marcel Heuperman, A. Wenzl © Marcella Ruiz Cruz

9/11 als Aufhänger für eine bitterböse Anklage der westlichen Welt

Der Anfang ist vielversprechend. Nachdem ein an die Schmerzgrenze gehendes Bassgebrumm (Ohrstoppel sind empfehlenswert) mit schüchternen Tanzeinlagen verstummt, tritt Martin Schwab an die Rampe und schildert eindringlich den Moment, als ein Mann in seinem Büro im 96. Stockwerk des einen Turms des World Trade Centers das Flugzeug auf sich zukommen sieht. Gleichzeitig lässt er den Piloten zu Wort kommen und dessen Begeisterung über diese Tat und seinen Tod für den Glauben ausdrücken. Beeindruckt lauscht man dem Monolog. Die Hoffnung auf eine theatralische Aufarbeitung löst sich jedoch bald in Luft auf. Auf Witzfiguren getrimmt erscheinen neben dem Vice President andere Würdenträger der USA inklusive Präsidentengattin.

Ab nun setzen Wortkaskaden ein, die in weiterer Folge von Mr. President in Unterhosen in Gestalt von Marcel Heupermann durch eine Aufzählung der grausamsten Methoden, Menschen zu quälen, getopt werden. Das übrige Ensemble, bestehend aus Mehmet Ateşçi, Felix Kammerer, Christoph Luser, Elisa Plüss, Safira Robens und Andrea Wenzl, hat die Aufgabe, über die in den USA damals praktizierte Folter zu reden. Auf einem Vorhang, der fallweise gnädig über die Szene herabgelassen wird, erscheint der Grundriss eines der berüchtigten Gefangenenlager, beschriftet als Reich des Todes. Heiseres Schreien und unkontrollierte Gestik steigern sich bis zum Vergleich der dortigen Häftlinge mit dem leidenden Christus, was durch die Einspielung einiger Takte aus einer Bach-Passion deutlich gemacht wird. Eine Lösung dieses Konflikts zwischen den Religionen gibt es nicht, wäre auch unangebracht. Dieser „heilige“ Krieg muss zwangsläufig in der Vernichtung des jeweils anderen, aber auch des daran unbeteiligten Teils der Erdbevölkerung enden.

Martin Schwab, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

Martin Schwab, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

Der deutsche Schriftsteller und Dramatiker Rainald Goetz hat in „Reich des Todes“ seinem Zorn auf Gott und die Welt freien Lauf gelassen. Ein Wust von Gedanken, die Tiefe ahnen lassen, aber zum Teil nur Andeutungen und schwer nachvollziehbar sind, wird dem Publikum um die Ohren gehauen. Dazu gibt es einige Spritzer Feminismus mit einem Biss Richtung Alphamann und selbstverständlich Hitler, ohne den tiefsinnige Gesellschaftskritik bis jetzt einfach nicht ausgekommen ist. Man wird sehen, wie weit (der in diesem Stück noch ignorierte) Putin dieses Amt in Zukunft übernehmen wird. Aber zurück zur Kritik: Mit etwas mehr Ruhe, weniger Zeitschinden und einigen Kürzungen hätte Regisseur Robert Borgmann wohl wesentlich mehr herausholen können, als letztlich an Erkenntnisgewinn zu verbuchen war. Dazu kommt die allgemeine Niedergeschlagenheit, die derzeit die Leute nur schwer lächeln lässt. Auf „alte“ Probleme, wenn sie noch so toll auffrisiert sind, ist derzeit wahrlich niemand neugierig.

Elisa Plüss, Christoph Luser © Marcella Ruiz Cruz

Elisa Plüss, Christoph Luser © Marcella Ruiz Cruz

Felix Kammerer, Marcel Heuperman, Ensemble  © Marcella Ruiz Cruz

Felix Kammerer, Marcel Heuperman, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

Am Ende Licht Ensemble © Susanne Hassler-Smith

Marie-Luise Stockinger, Bardo Böhlefeld, Philipp Hauß, Norman Hacker, Max Gindorff, Maresi Riegner © Susanne Hassler-Smith

AM ENDE LICHT oder der Tag, an dem Mama starb

Ame Ende Licht, Ensemble © Susanne Hassler-Smith

Ame Ende Licht, Ensemble © Susanne Hassler-Smith

Ein sympathisches Stück Theater zu einem ganz normalen Familienleben

Simon Stephens ist Brite, lebt in London und schreibt Theaterstücke. Seine Themen findet er u. a. im Alltag einer nordenglischen Stadt (seinem Geburtsort Stockport) und schafft es trotzdem, diese so sanft zu überhöhen, dass sie auch auf dem Kontinent, in diesem Fall in Wien, das Publikum in ihren Bann ziehen. So geschehen mit der österreichischen Erstaufführung von „Am Ende Licht“ im Akademietheater am 25. Februar 2022. Es gibt keine Sensationen, keine großen Aufreger und was an Katastrophen passiert, hält sich durchaus in bewältigbaren Grenzen. Zum Inhalt: Christine (Dorothea Hartinger), eine Frau unter der Wahrnehmungsschwelle, stirbt überraschend, während sie in einem Supermarkt vor dem Regal mit den Spirituosen steht. Sie erzählt es uns selbst, ganz trocken, als ginge es sie gar nichts an. Die Mitglieder ihrer Familie sind derartig intensiv mit sich selbst und der Befriedigung ihres Geschlechtstriebes beschäftigt, dass sie Mamas Ableben erst spät mitbekommen. Als eine Art Wiedergängerin erscheint sie ihnen in teils fremden Gestalten, zum Beispiel als Claudia, Andrea oder Victoria, prallt aber an deren Unaufmerksamkeit ab. Regisseurin Lilja Rupprecht hat dazu die Wirklichkeit der Personen leicht entfremdet. Sie tragen alle Masken, so lange, bis sie den Verlust der Mutter realisieren. Erst dann kehren sie zu ihrer natürlichen Erscheinungsform zurück, um sie in einem hoch emotionalen Finale, das ungeniert an Gefühlsduselei kratzt, mit Live-Musik von Philipp Rohmer und Viktoria Mezovsky in die Weiten des Weltalls (in 3D) zu entlassen.

Bardo Böhlefeld, Max Gindorff, Dunja Sowinetz, Norman Hacker © Susanne Hassler-Smith

Bardo Böhlefeld, Max Gindorff, Dunja Sowinetz, Norman Hacker © Susanne Hassler-Smith

Maresi Riegner, Sebastian Klein © Susanne Hassler-Smith

Maresi Riegner, Sebastian Klein © Susanne Hassler-Smith

Tochter Jess (Marie-Luise Stockinger) erwacht neben einem fremden Mann. Philipp Hauß stellt sich als Michael vor und gesteht ihr, sie nicht gefickt zu haben, weil sie zu betrunken gewesen sei. Aus der Zufallsbekanntschaft entwickelt sich noch am selben Tag eine Liebesbeziehung, die mit einer gewagten Nummer auf dem Friedhof besiegelt wird. Die zweite Tochter, Ashe (Maresi Riegner), hat vom Junkie Joe (Sebastian Klein) ein Kind abgefangen. Nachdem sie erkennen muss, dass von ihm kein Unterhalt zu erwarten ist, schickt sie ihn in die Wüste, um als Alleinerzieherin das Leben zu bestreiten. Steven, der einzige Sohn von Christine, arbeitet seine Probleme an Andy ab, leidet unter Minderwertigkeitskomplexen und klammert sich an seinen Lover. Als schwules Paar schaffen es Max Gindorff und Bardo Böhlefeld, derartige Gefühle auch für einen Hetero ergreifend nachvollziehbar zu machen. Vater Bernard (Norman Hacker) leidet nicht nur an Fresssucht, er lässt sich auch von der alten Freundin Michaela (Dunja Sowinetz) zu einem flotten Dreier mit der interessanten Emma (Stefanie Dvorak) überreden. Wie der in die Jahre gekommene Mann seine Schüchternheit überwindet, ist eine der stärksten Szenen, denn sie pendelt virtuos zwischen schaumgebremster Geilheit und auflockernd komischen Momenten. Kurz und gut, es sind alles Elemente, die sich in den besten Familien finden und die Zuschauer nach zweieinviertel Stunden mit seltsamem Wohlsein erfüllen, das sich bei der Premiere in Gegenwart des Autors in Bravorufen und anhaltendem Applaus manifestiert hat.

Barbara Petritsch, Katharina Lorenz © Marcella Ruiz Cruz

Barbara Petritsch, Katharina Lorenz © Marcella Ruiz Cruz

DIE SCHWERKRAFT DER tristesten VERHÄLTNISSE

Anna Benner, Katharina Lorenz, Beowulf Ziesel © Marcella Ruiz Cruz

Anna Benner, Katharina Lorenz, Beowulf Ziesel © Marcella Ruiz Cruz

Ein bedrückendes Schattenspiel über die prägenden Tatzen des Lebens

Wann sonst als jetzt drückt uns „Die Schwerkraft der Verhältnisse“ so gnadenlos zu Boden, dass wir es ohne Murren auf uns nehmen, 100 Minuten hinter der FFP2-Maske der Unglückseligkeit anderer zuzuschauen – obwohl es uns eigentlich gar nichts anginge, was nach dem Krieg in einer gewissen Berta Schrei, geb. Faust, an Depressionen vorgeht. Die 1948 in der Steiermark geborene Schriftstellerin Marianne Fritz hat deren Tristesse jedoch in einem Roman aufgearbeitet, der vom deutschen Regisseur Bastian Kraft in ein Theaterstück umgewandelt und als solches am 18. Dezember 2021 im Akademietheater uraufgeführt wurde. Im Grunde ist alles daran gut geraten.

Die Formulierungen von Fritz sind hochliterarisch, die Darsteller als Erzähler engagiert sowie in ihren eigentlichen Rollen überaus authentisch und die Inszenierung als Schattenspiel mit Lifedialogen konsequent raffiniert durchgezogen. Trotzdem verlässt man das Haus gerade so niedergeschlagen, wie Katharina Lorenz ihre Berta angelegt hat. Man nimmt ihr ab, dass das kurze Glück, als ihr der Musiklehrer Rudolf die Aquarellen und den Donauwalzer von Johann Strauß auf dem Klavier vorspielt, bevor er sie entjungfert und schwängert, in keinem Verhältnis zum traurigen Leben danach steht. Rudolf (Nils Strunk ist auch für die Musik auf der Bühne zuständig) fällt in den letzten Kriegstagen, sein Freund Wilhelm Schrei (Markus Meyer) reist in das Städtchen Donaublau und überreicht Berta eine Gänseblume und hängt ihr die Kette mit Blechmadonna um den Hals, als letztes Vermächtnis des Vaters von Klein-Rudolf (alternierend Beowulf Ziesel/Florian Benner). Berta heißt ab nun Schrei und verliert immer mehr an Boden, was sie bestenfalls mit „So, So“ kommentiert.

Markus Meyer © Marcella Ruiz Cruz

Markus Meyer © Marcella Ruiz Cruz

Als Energiebündel erweist sich die spätere Ehefrau von Wilhelm. Stefanie Dvorak als Wilhelmine überfällt ihre Freundin am liebsten mit dem Satz „Berta, du Unglücksrabe!“ Wie recht sie doch hat! Nicht nur der Bub, auch die Tochter von Wilhelm (Anna Benner/Lily Macgregor) ist in der Schule eine Versagerin. Das Leben in der Enge einer winzigen Wohnung, die oft lange andauernde Absenz des Gatten, der als Chauffeur und gekonnter Lächler sein Geld verdient, und der missglückte Nachwuchs führen schließlich und endlich zum Entschluss, sowohl die beiden Kinder als auch sich aus der Welt zu schaffen. Der Selbstmord missglückt und Berta landet als Kindsmörderin in der von Ordensfrauen geführten „Festung“. Die einzige Gesprächspartnerin in diesem Gefängnis ist „Das weise Mütterchen“ (Barbara Petritsch mit gespenstisch langen weißen Haaren und auf uralt geschminkt). Von ihr stammen kluge Sätze wie „Das Leben ist eine Wunde, und diese Wunde heilt so schwer“ oder geraunte Andeutungen zum Umgang mit den „prägenden Tatzen des Lebens“. Die einzige, die aus dem Ganzen fröhlich ihren Vorteil ziehen kann, ist Wilhelmine. Für sie ist Wilhelm nun frei und sie weiß ganz genau, am 13. Jänner 1960, am Geburtstag von Berta, wird geheiratet.

Nils Strunk, Katharina Lorenz  © Marcella Ruiz Cruz

Nils Strunk, Katharina Lorenz © Marcella Ruiz Cruz

Stefanie Dvorak, Markus Meyer, Katharina Lorenz © Marcella Ruiz Cruz

Stefanie Dvorak, M. Meyer, Katharina Lorenz © Marcella Ruiz Cruz

Alles, was der Fall ist, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

ALLES, WAS DER FALL IST Philosophie zur Logik des Theaters

Tim Werths, Philipp Hauß © Marcella Ruiz Cruz

Wittgenstein, Macbeth und die Amokfahrt in Graz als Denkmodelle

Der Titel verrät nichts über das Stück, er dient eher der Abschreckung des Publikums. Wer will sich schon mit den vertrackten Gedankengängen eines Ludwig Wittgenstein auseinandersetzen, wenn er ins Theater geht. Seinen Tractatus logico-philosophicus hat ohnehin kaum wer verstanden. Davon erhalten hat sich lediglich der Satz: Wovon man nicht sprechen kann, darüber muss man schweigen. Sieht man aber genauer hin, dann findet sich im Untertitel der Name „Dead Centre“, ein Kollektiv aus den beiden Regisseuren Bush Moukarzel und Ben Kidd und der Produzentin Natalie Hans. Die beiden Herren stammen aus Irland und England und haben gewaltigen Spaß daran, Antworten auf komplizierte wissenschaftliche Fragen in Form von Theaterstücken zumindest erahnbar zu machen. Kurzweil und Spannung sind also garantiert, wenngleich ein abstraktes „Alles, was der Fall ist“ und Wittgenstein als Aufgabenstellung dienen. Das Akademietheater ist Schauplatz dieser packenden Collage aus philosophischen Betrachtungen und Szenen aus Shakespeares Macbeth.

Philipp Hauß © Marcella Ruiz Cruz

Abgeleitet von beidem wurden Überlegungen zur erschütternden Amokfahrt in der Grazer Innenstadt am 20. Juni 2015. Das Leitmotiv ist die leere Bühne, das Motto: Wirklichkeit kann auch enttäuschend sein. Mit raffinierten Videotricks wird diese Realität derart radikal infrage gestellt, bis man sich als Zuschauer nicht mehr im Klaren ist, was tatsächlich da oben abläuft und was eingeblendet ist. Echt ist zumindest das Red Bull, das beim Spritzen aus der Dose den Raum mit seinem süßlichen Duft nach Gummibärli erfüllt.

Alles, was der Fall ist, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

Philipp Hauß stellt sich gleich zu Beginn als Ludwig Wittgenstein vor, der er ja nicht wirklich ist, sondern nur ein Schauspieler und damit eigentlich gar nicht existiert. Er bleibt über weite Strecken der Moderator, der an einer Modellbühne aufschlussreiche Szenarien entwirft, die für das Publikum groß zu sehen sind. Alexandra Henkel, Andrea Wenzel, Tim Werths und Johannes Zirner sind das Personal dieser Wanderung durch Schein und Sein, die als Opfer, Täter und sonstige Gestalten zugange sind.

Ein SUV wie der, mit dem drei Personen gebötet und 36 Passanten verletzt wurden, wird zum Hauptdarsteller, der hier bereits bei der Flucht der Eltern des Amokfahrers aus Bosnien im Einsatz ist. Die Show stielt ihm lediglich ein Hund, der auf Befehl Sitz macht und sich mit treuherzigem Blick über die maskierte Menschenansammlung im Dunkeln wundert. Er ist selbstredend nicht der Mörder und spielt auch keinen solchen. Diese Rolle bleibt Philipp Hauß überlassen, wenn er die Logik des Theaters abhandelt, der zufolge die Welt mit der Sprache erfassbar gemacht werden soll.

Ludwig Wittgenstein, der seine vielseitigen Begabungen auch als Dorfschullehrer, Ingenieur und Architekt unter Beweis gestellt hat, lässt seinen Tractatus mit dem Hauptsatz „Die Welt ist alles, was der Fall ist“ beginnen und stellt in der Folge Fragen, deren Antworten nie jemand begehrt hat. Weder Macbeth noch der Amokfahrer dürften je darüber nachgedacht haben, ob tatsächlich nur einen Sinn hat, was in logisch einwandfreien Sätzen gesagt werden kann. Sie haben schlicht gemordet. Und unsereins? Schweigt am besten.

Alles, was der Fall ist, Ensemble © Marcella Ruiz Cruz

Florian Teichtmeister, Regina Fritsch, Mavie Hörbiger, Tim Werths  © Susanne Hessler-Smith

BUNBURY Die Geschichte vom Ernst neu erzählt

Florian Teichtmeister, Tim Werths © Susanne Hessler-Smith

Ein viktorianisches Sittenbild für phantasiebegabte Minimalisten

Mit etlichen Gay-Moments sollte die sexuelle Orientierung des irischen Dichters Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde wohl auch dem in englischer Literatur unbelesenen Zuschauer deutlich gemacht werden. Ganz ohne Grund beginnen zwei Männer zu schmusen, begrapschen sich zwei heiratswillige Mädchen oder ein Pastor kniet mit geilem Blick auf dem Schoß des Butlers. Die im Text vorhandenen zarten Anspielungen Wilders waren kaum zu entnehmen. Dieser wurde zwar streckenweise durchaus getreu der deutschen Übersetzung gesprochen, ging aber aufgrund von überbordenden Regieeinfällen im Geschehen unter. Gags werden konsequent bis zum Überdruss zelebriert. So gerät der Auftritt von Lady Brecknell samt Tochter Gwendolin Fairfax zu einer enervierenden Endlosschleife, die unter lautem Gedröhne tosender Klänge immer wieder und wieder vom Klingeln bis zur Begrüßung wiederholt wird. Ähnlich ergeht es Miss Prism, die sich unter ständigen Unterbrechungen vergeblich bemüht, die Verwechslung des Babys mit ihrem Romanmanuskript zu erzählen.

Regina Fritsch, Mavie Hörbiger, Tim Werths © Ssanne Hessler-Smith

Wenn niemand mehr weiter weiß, dann wird eben gesungen oder ein Tanzsolo hingelegt. So besehen erscheint es beinahe wie ein Wunder, dass die Handlung verständlich und schlüssig übermittelt wird. Schließlich geht es um das Wortspiel zwischen Ernst und ernst, das nicht nur einen erfundenen Bruder, sondern auch zwei junge Damen betrifft. Beide wollen partout einen Mann nur heiraten, wenn er Ernst heißt. Bunbury, der nicht existierende sieche Freund des anderen Lebemanns, hat im Grund nur deswegen in den Titel gefunden, weil das Original „The Importance of Being Ernest“ etwas lang geraten ist und sich im Deutschen längst nicht so knackig wie im Englischen hersagen lässt.

Florian Teichtmeister, Mavie Hörbiger, Tim Werths © Susanne Hessler-Smith

Inszeniert hat Antonio Latella, der die feine Komödie vom Jack, der partout ein Ernst sein will, auf die nahezu leere Bühne des Akademietheaters gestellt hat. Darstellern gleichwie Publikum blieb also nichts anderes über, als sich die noblen britischen Salons des 19. Jahrhunderts zu imaginieren. Den weitaus schwierigeren Part in diesem kühnen Unternehmen hatten freilich die Schauspieler. Sie waren auf ihr Können beschränkt. Da es sich um eine Komödie handelt, durften sie auch blödeln.

Und sie machten davon ausgiebig Gebrauch. Tim Werths als Algernon Moncrieff und Florian Teichtmeiser als John (Jack) Worthing, Mavie Hörbiger (Gwendolin) und Andrea Wenzel (Cecily) beweisen, dass sie auch als hemmungslose Komödianten unschlagbar sind. Sie füllen mit ihrer Präsenz ohne weiteres den kahlen Schauplatz zwischen Betonwand und Rampe.

Regina Fritsch lässt ihre Lady Brackwell im aufdringlichem Charme einer betuchten Dame erglänzen und Max Gindorf den Pastor Chasuble zum Ruhepol im Chaos werden. Im schwarzen Glitzeranzug verzweifelt Mehmet Ateşçi als Gouvernante an ihrem Schicksal. Geleitet wird das Ganze von Marcel Heupermann, der Klavier und Tee auf die Bühne bringt, die einzelnen Akte ansagt und Regieanweisungen vorliest. Hoch anzurechnen ist ihm, dass er zuletzt sogar das Publikum zum Singen bringt.

Max Gindorff, Florian Teichtmeister, Andrea Wenzel, Mehmet Ateşçi © Susanne Hessler-Smith

FRÄULEIN JULIE Geschlechtsverkehr kann tödlich sein

Itay Tiran und Bühne © Susanne Hassler-Smith

Knecht bleibt Knecht und Hure bleibt Hure – dramatische Gedanken zu Standesunterschieden

Julie ist adelig, jung und schön, hat aber ein Problem mit Männern. Verlobt war sie mit einem Oberst, bestimmt einem schneidigen Burschen, der ihre Launen jedoch nicht ertragen hat. Im Zuge des Mitsommerfestes verfällt sie auf die seltsame Idee, mit ihrem Diener ein Pantscherl anzufangen, ohne sich bewusst zu sein, wie Sex einen Menschen von Grund auf umkrempeln kann. Jean, so heißt der Mann, hat Erfahrung, ist gebildet und weltläufig, kurz, er fasziniert sie so sehr, dass sie ihre offensichtliche Frigidität überwindet und mit ihm schläft. Was nichts anderes als ein erfreuliches stilles Verhältnis zwischen Herrin und Butler werden könnte, lässt August Strindberg jedoch zu einer zutiefst nordischen Tragödie auswachsen. Julie fühlt sich dreckig, entehrt und erniedrigt. Kristin ist eine Angestellte und quasi Verlobte von Jean. Nolens volens wird sie Zeugin des Geschehens, bekommt die plumpen Annäherungsversuche ihrer Chefin mit und ist auf ihren Freund wegen dessen Reaktion gar nicht allzu böse. Vielmehr versucht sie, den ihr zustehenden Mann wieder für sich zurück zu gewinnen.

Sarah Viktoria Frick (Kristin), Maresi Riegner (Julie) © Susanna Hassler-Smith

Sie scheint es sogar zu genießen, wenn Julie ob ihres Ausrutschers in tiefe gesellschaftliche Gefielde immer mehr der Hysterie verfällt. Jean hat Träume. Er will in der Schweiz ein Nobelhotel eröffnen. Julie, die ihm mittlerweile hörig ist, entwendet das Geld ihres Vaters und wäre bereit, mit ihm zu fliehen. Den Schlussstrich zieht aber der Tod, den das gefallene Fräulein als einzigen Ausweg sieht.

 

Ein Badezimmer wird im Akademietheater zum Schauplatz dieser tragisch endenden Beziehungskiste. Nicht einmal ein Vollbad kann Julie vom Makel dieses jedem Standesbewusstsein spottenden Geschlechtsverkehrs reinigen. Daran dürfte Regisseurin Mateja Koležnik gedacht haben, wenn sie die drei Darsteller hinter einer Glaswand zwischen Waschbecken, Wanne und Klomuschel agieren lässt. Sarah Viktoria Frick als Kristin ist eifrig dabei, das Bad zu putzen.

Die von ihr verkörperte Dienerin wächst über sich hinaus und ist zweifellos die weit stärkere der beiden Frauen, stärker auch als der zwischen ihnen stehende Mann. Jean (Itay Tiran) versucht seine Qualitäten als Liebhaber auszuspielen, wenn er auch lange glaubhaft zögert, den Avancen seiner Herrin nachzugeben. Aber wer würde nicht schwach, wenn ein nobles Fräulein wie Julie ihm ans Hosentürl geht. Hätte er ahnen können, wie sich diese Dame nach gehabtem Liebesakt aufführt? Maresi Riegner zieht alle Register einer von ihrer Geilheit überrumpelten Frau. Wenn sie sich aus dem Sumpf zu ziehen versucht und Jean entgegenschleudert: „Knecht bleibt Knecht!“, muss sie es akzeptieren, wenn er mit „Und Hure bleibt Hure!“ kontert. Sie wimmert, kriecht zu seinen Füßen und ist streckenweise nicht in der Lage, einen vernünftigen Satz sagen. Sie könnte einem Leid tun, wäre uns heute das Problem von adeligem Standesdünkel nicht wurscht. Trotzdem ist der Abend in all seiner Breite, die ihm von der Inszenierung her gewährt wird, kurzweilig und stellenweise sogar spannend.

Maresi Riegner (Julie), Itay Tiran (Jean) © Susanne Hassler-Smith
Burgtheater Logo 400

Akademietheater

Statistik